De 20 bedste albumcover nogensinde

I generationer har albumkunst været en vigtig del af at lytte til musik. Medierne kan have ændret sig, fra vinyl til kassetter til cd'er, og derefter for nylig tilbage til vinyl igen, men de billeder, der er skabt til at repræsentere vores yndlingsbands musik, er fortsat et vigtigt og levende element i popkulturen. Det og selvfølgelig alt det vigtige musikvideo .

I dette indlæg hylder vi den mest ikoniske albumkunst i rockhistorien, hvoraf nogle er blevet mere berømte og genkendelige end den musik, den symboliserer, og hvoraf de fleste også har prydet plakatdesign verden over.

01. Elvis Presley (1956)

Albumomslag, der viser Elvis spiller guitar og sang



Elvis Presleys første albumcover viser The King i fuld flow

Indtil Elvis ankom, var entertainere typisk blevet tilbageholdt og på bedste opførsel, mens de var på scenen. Men Mississippi-sangeren, der blev kendt som Kongen, kastede den regelbog, kastede hofterne i en åbenlyst seksuel stil og løb vild med en rå, primær energi.

Dette dramatiske skud, taget af Fort Homer Hesterly Armory i Tampa, Florida af William V. 'Red' Robertson, fanger ham i en fuld, konventionstridende strøm. Med sin skarpe og farverige bogstaver blev designet af dette ikoniske cover senere gentaget af britiske punks The Clash for coveret af deres album fra London, London Calling.

02. Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band af The Beatles (1967)

Cover af Sgt Pepper med Beatles og en kæmpe rollebesætning af berømtheder

Coveret til Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band markerede afslutningen på Beatles 'moptop-æra og starten på noget nyt

Mens Liverpudlian-popsensationer The Beatles startede som elskelige moppetoppe, blev de snart påvirket af tressernes modkultur af gryderygning og protest, og deres musik begyndte at gå i radikale nye retninger. Dette kulminerede i Sgt Peppers Lonely Hearts Club Band, der i vid udstrækning krediteres for at være rockens første konceptalbum.

Coveret har to versioner af Beatles. Den ene er den rigtige gruppe, klædt som det fiktive Sgt Peppers Lonely Hearts Club Band; de andre er voksskulpturer. Men de virkelige stjerner her er de berømte menneskers store pap-udskæringer fra Karl Marx til Marilyn Monroe.

Designet af popartisterne Peter Blake og Jann Haworth og baseret på en blæktegning af Paul McCartney, viste det sig at være et af de dyreste albumcover i historien, dels fordi de måtte betale så mange mennesker for at bruge deres ligheder. Det var også den første, der indeholdt trykte tekster.

03. The Velvet Underground & Nico (1967)

Omslaget til The Velvet Underground & Nico med en stor banan

At have Andy Warhol som din manager har sine fordele

Det første og bedste album af Velvet Underground, det psykedeliske New York-band foran Lou Reed, er kendt af fans som 'bananalbumet' på grund af den iøjnefaldende illustration på omslaget. Denne frugtagtige tegning var arbejdet med Pop Art ikon Andy Warhol , der tilfældigvis var gruppens manager, mens omslaget blev designet af Acy R. Lehman.

Tidlige versioner tillod dig at skrælle bananhuden tilbage for at genvinde en kødfarvet banan nedenunder (brug din fantasi). De fleste senere genudgivelser undlod at inkludere denne dyre-til-producere-funktion, og de oprindelige pres er derfor værd en lille formue på samlernes marked.

04. Dark Side of the Moon af Pink Floyd (1973)

Prisme forvandler hvidt lys til en regnbue af farver

The Dark Side of the Moon cover er en af ​​de mest genkendelige i rockhistorien

Selv folk, der aldrig har hørt om det britiske rockband Pink Floyd, vil sandsynligvis genkende det ikoniske cover til deres album Dark Side of the Moon fra 1973, der viser hvidt lys, der passerer gennem et prisme for at skabe et spektrum af farver. Det blev skabt af Aubrey Powell og Storm Thorgerson af Hipgnosis, designerne bag nogle af historiens mest kendte albumcover, herunder Led Zeppelin's Houses of the Holy, Black Sabbath's Never Say Die og The Scorpion's Lovedrive.

De kom op med konceptet, som var inspireret af et billede af et prisme, der blev fundet i en fotograferingsbog, efter en brainstorming hele natten. Designet rejste øjenbryn på det tidspunkt for hverken at inkludere bandets navn eller albummet.

05. Never Mind The Bollocks af Sex Pistols (1977)

Albumomslag med prangende farver og udskæring leterring

Coveret, der etablerede i retten, en gang for alle, at du kunne sætte et uhøfligt ord på et album

Mens den psykedeliske æra så albumomslag almindeligvis har indviklede, surrealistiske og overdådige illustrationer, fjernede punk alt til det nøgne væsentlige. Og debutalbummet til Storbritanniens højeste og vredeste punk rockere Sex Pistols, designet af Jamie Reid , var en sand hensigtserklæring.

Brugen af ​​uanstændighed, støbt i den slags udskårne bogstaver, der ofte er forbundet med kriminelle løsesumnotater, var chokerende for datidens publikum. Effekten blev forstærket af ærmens luride farvepalet, som var baseret på en række klistermærker distribueret af den situationistiske politiske bevægelse (originalerne læste: 'Denne butik byder butikstyver velkommen').

Brugen af ​​'bollocks' (et udtryk på britisk engelsk, der betyder både 'nonsens' og 'testikler') førte til et politirazzia på en jomfrupladebutik, der havde lagerføringen. I den resulterende retssag blev Virgin med succes forsvaret af anklager for uanstændighed af John Mortimer, nu bedst kendt som forfatteren af ​​Rumpole of the Bailey. Da han forlod retssalen, udbrød gruppens sanger, Johnny Rotten, med glæde til en reporter: 'Fantastisk! Bollocks er lovligt. Bollocks! Bollocks! Bollocks! ''

06. Ukendte fornøjelser af Joy Division (1979)

Sort og hvidt mønster, der repræsenterer radiobølger

Dette ikoniske albumomslag er baseret på astronomiske data

Da Salford post-punk-band Joy Division udgav sit debutalbum, satte det ikke lige verden i brand. Men i dag betragtes det som en klassiker, og dens fortryllende omslagskunst er designet af Peter Saville , pryder millioner af T-shirts og plakater over hele verden.

Det var gruppens hovedgitarist, Bernard Sumner, der oprindeligt valgte billedet. Det er en visualisering af de radiobølger, der udsendes af en pulsar; en neutronstjerne, der er skabt, efter at en døende sol kollapser i sig selv.

Oprindeligt opkaldt CP 1919, var den pågældende pulsar opdaget i november 1967 af studerende Jocelyn Bell Burnell og hendes vejleder Antony Hewish ved Cambridge University. Sumnar fandt billedet i Cambridge Encyclopaedia of Science; Saville vendte den derefter fra sort-på-hvid til hvid-på-sort og trykte den på et struktureret kort.

07. Rio af Duran Duran (1982)

Coverdesign til Rio viser en smilende, moderigtig kvinde

Omslaget til Duran Durans Rio kombinerede Art Deco med moderne modedesign

Efter al den dystre, humørfyldte aggression fra halvfjerdsernes punk var mange i firserne klar til at vende tilbage til sjov og glamour ... men det betød ikke, at de ville have gammeldags og osteagtig. Duran Duran, et band fra Birmingham, England, var blandt de førende lys i New Romantic-bevægelsen, som på en smart måde kombinerede en kunstskolesensibilitet med den slags pop-funk-stylinger, som et almindeligt publikum faktisk kunne danse til.

Coverdesignet til deres andet studiealbum, Rio, trækker det samme trick ud. Det blev designet af Malcolm Garrett og illustreret af Patrick Nagel , der var kendt for at fejre den kvindelige form i en stil, der kombinerede Art Deco-traditionen med moderne modedesign.

Nagels skildring af forsangens titelkarakter er smukt minimalistisk med en opfindsomme farvepalet, der straks var iøjnefaldende og trenddefinerende.

08. Krig ved U2 (1983)

Coveret til U2

Forsiden af ​​U2's War tog en usædvanlig, men inspireret tilgang til at illustrere konfliktbegrebet

U2s sanger Bono kan i dag være kendt for at spise middag med paver og præsidenter. Men mens han nu er hr. Mainstream, var tidlig U2 rå, kantet og rå. Og med sine kontroversielle sange om krig og konflikt, som søndag, Bloody Sunday, kunne deres tredje studioalbum betragtes som toppen af ​​deres oprørske ungdom.

I stedet for at gå den indlysende rute for at forestille sig en kampscene, dog irsk grafisk designer Steve Averill tog den inspirerede beslutning om i stedet at bruge et barn og kraftigt formidle tabet af uskyld skabt af krig. Drengen stirrer intenst og foruroligende på kameraet Peter Rowen , kunstnerens bror Guggi , der er en ven af ​​Bonos.

Rowen optrådte på tre U2-album i alt og er nu selv en professionel fotograf. Han har endda bragt tingene i fuld cirkel ved at skyde U2 i koncert.

09. Licenseret til syg af Beastie Boys (1986)

Licenseret til Ill albumomslag med bagsiden af ​​et jetfly

Beastie Boy's første albumcover er helt i tråd med deres dumme, men kloge humor

På et tidspunkt, hvor musikken stort set var opdelt efter genre- og race-linjer, samlede tre jødiske drenge rap og heavy rock i et album uden at gå på kompromis med den rå, vrede energi fra nogen af ​​dem.

Designet af Steve Byram og illustreret af Verden B. Omes , coverkonceptet for Licensed to Ill var grundlæggende en parodi på Led Zeppelin's private jetfly; et symbol på oppustet halvfjerdsers rockoverskud, der ikke kunne have været fjernet yderligere fra Beastie Boys's drengestik.

Og bare hvis du havde brug for ironi, der stavede, staver flyets halenummer, 3MTA3, 'Eat Me' baglæns.

10. Frygt for en sort planet af Public Enemy (1990)

Albumomslag, der viser to verdens sammenstød

Omslaget til dette banebrydende rap-album viste en apokalyptisk vision om racekonflikt

Musikalsk og lyrisk er Public Enemys tredje studioalbum stadig et af de mest opfindsomme og ambitiøse rapalbum nogensinde. Fra den bidende sociale kommentar fra 911 er der en vittighed om forskellen i politiets responstid mellem sorte og hvide kvarterer til den revolutionære raseri af Fight the Power, denne rekord ændrede spillet og er uden tvivl endnu ikke blevet forbedret.

Omslagsdesignet er også en klassiker. Gruppeleder Chuck D, der selv havde studeret grafisk design ved New Yorks Adelphi University, kom op med begrebet to verdener (en 'sort' planet og Jorden) formørkende. Gruppen tilmeldte sig VÆRE. Johnson , en NASA-illustrator, til at skabe designet, og det apokalyptiske resultat er en fantastisk kommentar til den racemæssige paranoia af hvid nationalisme.

11. Nevermind af Nirvana (1991)

Nevermind cover viser en baby, der svømmer mod en dollarregning

Nevermind af Nirvana har et af de mest usædvanlige og mindeværdige omslag gennem tidene

I begyndelsen af ​​1990'erne så det ud til, at rockmusik begyndte at blive forældet og gentage sig selv. Så kom grunge, som bragte alt tilbage til dets grundlæggende og fungerede som en stor 'reset' -knap, ligesom punk havde gjort to årtier tidligere. Nirvanas andet album bragte grunge ind i mainstream efter succesen med deres nummer et hit Smells Like Teen Spirit. Og dets usædvanlige omslag var mildt sagt opmærksomme.

Sanger Kurt Cobain var kommet op med ideen, mens han så en tv-dokumentar om vandfødsler med trommeslager Dave Grohl. Geffens art director Robert Fisher gravede nogle lagerbilleder af fødsler under vandet, men de var for grafiske til at sætte et album på og ville have kostet 7.500 dollars at licensere. Så i stedet bestilte de fotograf Kirk Weddle at skyde nogle skræddersyede billeder i en Pasadena-swimmingpool for kun $ 1.000. (Dollaren og fiskekrogen blev tilføjet senere.)

Barnet, han skød, var den fire måneder gamle Spencer Elden, søn af en af ​​Weddles venner. Han er nu 27 og arbejder som kunstner i LA, mens Weddle fortsat er reklamefotograf med speciale i undervandsarbejde.

12. Screamadelica af Primal Scream (1991)

Screamadelica cover viser en sol med øjne

Forene dans med indie, Screamadelica kom med optimistisk, dayglo albumkunst

I løbet af 1980'erne kunne skillet mellem indiemusik og dansemusik ikke have været mere markant. Så kom acid house, ecstasy, rave ... og pludselig blev fans af humøragtig rockmusik meget mere åbne for ideen om gentagne beats. Et vigtigt vartegn i den resulterende crossover var Primal Screams tredje album, der samlede rock, psychedelia, dub, house og gospel i en strålende sammensætning.

Dækslet var værket af Paul Cannell, en kunstner i London, der er kendt for at kombinere en punk-æstetik med sprudlende farver ved hjælp af usædvanlige medier som hus & genert; maling af maling og karrosseri. Bandets sanger Bobby Gillespie tog en detalje fra et af Cannells malerier, ændrede baggrundsfarven til en varmrød, og det klassiske 'sol' -billede var resultatet.

Tragisk nok tog Cannell sit eget liv i 2005. Men dette klassiske cover sammen med hans arbejde for bands som Manic Street Preachers, The Telescopes, Flowered Up og Shonen Knife, vil helt sikkert leve i evighed. Det blev endda genskabt som et officielt frimærke i 2010 som en del af Royal Mail's Klassisk album covers samling .

13. Parklife by Blur (1994)

Parklife-cover med vinhunde

Parklifes albumcover tilegnede arbejderklassens kultur perfekt

Da 1990'erne skred frem, begyndte britiske unge at blive trætte af ecstasy-drevne raves, og et vakuum åbnede sig i ungdomskulturen. Dette blev hurtigt fyldt med en tilbagevenden til de gammeldags stræben efter at sprænge og lytte til rockbånd ... men med subtile streger af postmoderne ironi for at holde tingene interessante.

Uklarhed var bedst til at styre denne modsigelse; middelklassestudentetyper, der alligevel appellerede til masserne med deres mockney-accenter, Kinks-påvirkede melodier og klog tilegnelse af arbejderklassens kultur. Parklife, deres tredje studiealbum, så dem på højden af ​​deres kræfter, fra Girls and Boys, der stod sjovt på Club 18-30 helligdage, til titelsporet, som gæstestjernede Quadrophenia-skuespiller Phil Daniels til strålende tegneserieffekt.

Al denne postmoderne ægthed blev suppleret med et strålende cover baseret på det usandsynlige emne for vinthundevæddeløb. (Andre billeder, som Blur betragtede, var en frugt- og grønsagsbod, et væddemålsbutik ... du får ideen.)

Det anvendte billede, skudt af fotograf Bob Thomas, blev taget fra et lagerbibliotek og blev ikke, i modsætning til almindelig tro, skudt i Walthamstow. Forvirringen kommer, fordi der blev udført en separat optagelse af indersiden af ​​det berømte East London-spor, som siden er blevet omdannet til lejligheder.

14. Original piratmateriale af The Streets (2002)

Original omslag af piratmateriale, der viser en blok lejligheder i London

Original Pirate Materials omslag brugte et billede skudt til et kunstfotograferingsprojekt

Da Mike Skinner, alias The Streets, lavede et groft og klar britisk garage-album i sit soveværelse, sigtede han mod typiske fans af britisk garage. I stedet førte hans sjove og poetiske tekster til, at han straks blev adopteret af middelklassens intellektuelle, hvilket kæmper med ham indtil i dag.

Skinners omfavnelse fra intelligensia kan også have været ubevidst blevet inspireret af den høje pande karakter af hans omslagskunst. Hans debutalbum indeholder et billede med titlen Towering Inferno, skudt i 1995 af tysk kunstner og fotograf Ruth Blees Luxembourg . En del af en serie kaldet London: Et moderne projekt, der fokuserer på hovedstaden om natten, skuddet passer pænt ind i 'sex, drugs and on the dole' -fortællingen spundet af Skinner gennem hele sin debut.

15. Fallen af ​​Evanescence (2003)

Fallen af ​​Evanescence-cover med goth-pige, der stirrer ind i kameraet

Fallens omslag, som sin musik, taler til følelser af isolation og fremmedgørelse

Et af de bedst sælgende album i 2000'erne og vinderen af ​​to Grammy'er, Fallen, var debut af Evanescence, et genreudfordrende kristent band, der kombinerede elementer af nu metal, alternativ metal og goth. Men dens indflydelse gik langt ud over 'bare' musik. Utallige unge har siden frigivelsen vidnet om, hvordan teksterne, der handler om fremmedgørelse, depression, selvmord og død, har hjulpet dem med at tackle angsten ved at 'føle sig anderledes' end deres jævnaldrende.

Set i lyset var albummets coverkunst med frontkvinden Amy Lee i trodsig alt-pige-stilling perfekt valgt. Sangeren stirrer lige på seeren og fremkalder en følelse af empati og delt oplevelse, men på samme tid taler billedets slørede natur og den kolde, hårde farvepalet til følelser af hjælpeløshed og isolation. Det er ikke nødvendigvis den lykkeligste af scener, men for mange fans har det været en vigtig og livsforbedrende en.

16. American Idiot af Green Day (2004)

American Idiot cover med knytnæve i en håndgranat

American Idiot's coverdesign trækker på en række påvirkninger

En punkrockopera lyder måske som en selvmodsigelse, men Green Day fortsatte og gjorde det alligevel. Dette konceptalbum følger historien om Jesus of Suburbia, en teenage-antihelt, og det skabte fem hit-singler, inklusive det antændende titelspor; en stikkende kritik af højreorienterede amerikanske medier, der uden tvivl aldrig er blevet forbedret.

Et spilskiftende album kræver opmærksomhedsgribende illustrationer, og dette coverdesign med en hjerteformet håndgranat, der holdes i en blod gennemblødt knytnæve, leverer det i spar. Det blev skabt af Chris Bilheimer , en art director, der studerede ved University of Georgia med R.E.M. sanger Michael Stipe.

Designet optager en række indflydelser og siges at være inspireret af kinesisk kommunistisk propagandakunst, en tekst fra sangen She's a Rebel ('han holder på mit hjerte som en håndgranat') og Saul Bass's plakat til 1955 film Manden med den gyldne arm.

17. Demon Days af Gorillaz (2005)

Demon Days-omslag med fire tegneseriefigurer

Demon Days-coveret holder sig til Gorillaz-indbegrebet af et 'virtuelt band'

Da verden gik med tillid fra det 20. til det 21. århundrede, gik pludselig alt fra analogt til digitalt. Og slør sanger Damon Albarn og Jamie Hewlett , tegneseriekunstneren bag Tank Girl, besluttede at komme foran kurven ved at danne sig Gorillaz , verdens første virtuelle band.

Ved at kombinere hiphop og electronica var bandets musikalske output banebrydende nok, men de begejstrede publikum og medier yderligere ved at præsentere sig i form af tegneseriefigurer, fra magasinomslag til musikvideoer til hjemmesider. På et tidspunkt, hvor de fleste mennesker lige lærte, hvad en avatar var, var det en klog idé, og en, der ubesværet oversatte til forsiden af ​​dette, deres andet og sædvanlige album.

18. Born to Die af Lana del Rey (2012)

Born to Die cover viser Lana del Rey stående foran et hegn

Born to Die's coverdesign er stort, dristigt og sørgeligt

Et af kun tre album udgivet af en kvindelig kunstner, der har brugt mere end 300 uger på Billboard 200, Born to Die kombinerer elementer af indiepop og trip-hop med New Yorks sanger Lana del Reys hjemsøgte sang på en måde, der er langt større end summen af ​​dets dele. Og omslaget, kunst-instrueret af David Bowden , var passende og smukt episk.

Det imponerende design kombinerer et arresterende sørgeligt billede af sangeren, fotograferet af Nicole Nodland , med stor og fed typografi baseret på en skræddersyet skrifttype, der tilføjer en virkelig filmisk følelse til designet.

19. 1989 af Taylor Swift (2014)

1989 omslag viser en Polaroid af Taylor Swift, beskåret i øjnene

Coveret fra 1989 gør det øjeblikkeligt klart, hvad sangeren handler om

En af de største stjerner i dette årti, country-slået popsanger Taylor Swift, har vundet fans ved at være åben og personlig om sig selv, og omslaget til hendes første 'rene' popalbum, 1989, passer perfekt ind i den fortælling.

Lysår væk fra de ravende, airbrushede glamouroptagelser fra sine rivaler, den har bare en simpel Polaroid af sangeren, afskåret i øjnene med T.S. 1989 (året for hendes fødsel) skrabede nedenunder. Intet kompliceret, intet overblæst ... og desto bedre at få fans til at føle sig forbundet med 'pop's everywoman'.

20. Limonade af Beyonce (2016)

Limonadebetræk, der viser Beyonce bøjet og skjuler sit ansigt

Lemonades omslag har været genstand for vanvittige spekulationer

Lad os være ærlige; i den moderne æra, med streaming, der overtager fra downloads og social deling, der erstatter browsing i pladebutikker, er albumgrafik faldet i betydning. Men hvis en kunstner er stor nok, har det stadig indflydelse, og få kunstnere har været større i 2010'erne end Beyonce.

Som et tegn på skiftende tider blev sangerens sjette album, Lemonade, først tilgængelig via Beyoncés medejede streamingtjeneste Tidevand , en dag før de blev frigivet til digitalt og fysisk køb. Omslaget viser sangerinden stå ved siden af ​​en bil, iført en pels og fletninger af cornrow, skjuler sit ansigt bag armen.

Det er en stillbillede fra optagelsen af ​​Don't Hurt Yourself-videoen, instrueret af Beyonce og Kahlil Joseph . Men der er ingen officiel forklaring på, hvorfor netop dette skud blev valgt, hvilket efterlod fans til at spekulere i betydningen af ​​cornrows (symboliserer sort kultur?), Pels (symboliserer berømmelse og rigdom?) Og skjult ansigt (symboliserer indre uro?).

I en social media-tidsalder, hvor det at tale om synes at være det vigtigste mål for alle berømtheder, fra popstjerner til præsidenter, kan dette være det perfekte albumcover til vores tid.

Relaterede artikler: